SABÍAS QUE REMBRANDT, UNO DE LOS PINTORES MÁS SOLICITADOS DE SU TIEMPO, MURIÓ EN LA MISERIA?

Rembrandt von Rijn fue la máxima figura de la pintura barroca y uno de los pocos genios que llegó a gozar en vida de prestigio y reconocimiento. Pero tras la muerte de su esposa Saskia, empezó una época de incomprensión artística y dificultades económicas. Arruinado, vendió su casa y sus colecciones de arte. Pasó su vejez aislado de la sociedad y en la miseria, pero siguió pintando, y creó entonces sus mejores obras.

El genio

La miseria llego a la vida de Rembrandt después de haber amasado una pequeña fortuna y una considerable colección de arte. Hijo de un molinero acomodado, se instaló en Ámsterdam y no tardó en convertirse en un retratista de prestigio. Holanda era en el siglo XVII una nación rica y próspera, llena de potenciales clientes que intervenían en pinturas para decorar sus casas. Y eso lo supo aprovechar muy bien el maestro. Así Rembrandt se convirtió en uno de los pocos genios que llegó a gozar en vida de prestigio y reconocimiento.

Y llegó la miseria

Pero tras la muerte de su esposa Saskia, en 1642, empezó una época de incomprensión artística y dificultades económicas. Arruinado, vendió su casa y sus colecciones de arte y pasó a su vejez aislado de la sociedad y en la miseria, salpicada de pleitos y acusaciones de concubinato.

Sin embargo, a esta época corresponden sus mejores obras. Su joven sirvienta Hendrickje, su última compañera y modelo, fue su único sustento durante los últimos años, y aún la sobrevivió unos años hasta que muere en Ámsterdam en 1669.

MAS INFORMACION EN http://es.wikipedia.org/wiki/Rembrandt

La luminosidad de Sorolla se exhibe en Cuba

Hasta el 23 de abril de 2007

Joaquín Sorolla es el mejor representante de la influencia del impresionismo en España. La naturalidad de sus escenas costumbristas nos traslada a un mundo de luz y colorido inigualables. Ahora el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana expone 30 piezas que el genio valenciano pintó entre 1885 y 1920. Un recorrido sorollesco.

Una colección de Sorolla

El Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana exhibe, por primera vez, su colección de 30 piezas del pintor español Joaquín Sorolla (1863-1923), en dos muestras que abarcan sus principales períodos creativos.

La nueva muestra incluye la primera pieza del artista valenciano adquirida por el museo, “Niño comiendo sandía”, a partir de la cual comenzó a formarse la colección con cuadros que datan de 1885 y 1920, con todas las etapas de Sorolla presentes.

Obras granes, obras pequeñas

“Joaquín Sorolla. Obras de 1885 a 1917″ incluye el cuadro más antiguo de la colección, “Mujeres en la plaza”, que no tiene fecha, pero los expertos han calculado que fue pintado en 1885, cuando el artista era aún un principiante y estaba tratando de encontrar un camino, según indicó Crespo. La luz de este óleo sobre madera y sobre todo, su pequeño formato, contrastan frente a otros como el titulado “Valenciana recogiendo naranjas”, un óleo sobre tela de medidas grandiosas.

Un icono del arte español

Sorolla cultivó varios géneros, pero sus mejores obras retratan la escena de las costumbres, que le permitieron desarrollar un especial talento de descubrir el mundo mediante atractivas composiciones. Y es que el artista valenciano es uno de los más destacados representantes de la pintura tradicional española y a la vez un hito en el proceso de gestación de la estética moderna.

Esta colección, que permanecerá abierta al público hasta el 23 de abril, es una ocasión única para percibir las diversas etapas de creación de uno de los iconos de la cultura occidental.
 
 

MAYOR INFORMACION EN

http://www.bellasartes.cult.cu/

¿Sabías que ‘Las señoritas de Avignon’ de Picasso cumplen 100 años?

Año 1907. Barrio parisino de Montmartre. Picasso sufre una crisis personal y creativa. Sólo tiene veinticinco años. Está seis meses sin tocar los pinceles, luego bocetos y más bocetos. El resultado es “Las señoritas de Avignon”, una creación genial que abrió un antes y un después en la pintura, el máximo exponente del cubismo. Cinco mujeres que este año cumplen cien años de vida.

Después de una crisis

Fue en 1907 cuando Pablo Picasso sufrió una de las más graves crisis personales y creativas de su vida. Abandonó los pinceles y puso todos sus lienzos contra la pared, sólo se dedicaba a dibujar y a culturizarse con todo tipo de conocimientos. Acababa de romper con su pareja sentimental, Fernande Olivier.

Seis meses sin tocar los pinceles para después tener la cabeza como un hervidero y sorprendernos a todos con “Las Señoritas de Avignon”.

Cinco mujeres revolucionan el arte

Después de muchos bocetos y estudios preliminares creó una de las referencias más importantes del cubismo, una obra que marcó la brecha entre el pasado y el futuro de la pintura: las cinco mujeres protagonistas de “Las señoritas de Avignon” eran las responsables de esa ruptura en el mundo del arte.

Es la primera vez en el trabajo de Picasso en que la expresión de los rostros no es trágica ni apasionada. La escena tiene lugar en el interior de un prostíbulo: cinco mujeres desnudas y en el centro un bodegón compuesto por una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco.

El impacto de la obra

Como casi todos los cuadros del artista al principio no tenía nombre. No fue hasta que Picasso presentó la obra a sus amigos que se le puso título. No hay datos fidedignos pero se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de “El burdel filosófico” y después André Salmon lo llamó “Les demoiselles d’Avinyó”, una calle de Barcelona, en la que había prostíbulos. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el nombre de Avinyó con el nombre francés Avignon, tan cercano en la pronunciación.

Todos aquellos amigos a quienes Picasso enseñó el cuadro en privado coincidieron en sus comentarios sobre el gran impacto que les produjo. Hubo asombro y también burla. Picasso lo enseñó y lo guardó hasta que en 1916, nueve años más tarde, fue expuesto. Ahora está en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
 
No te puedes perder

Si quieres saberlo todo sobre el cuadro no puedes perderte un especial que le dedica el Moma de Nueva York.
 

MAS INFORMACION EN http://www.moma.org/collection/conservation/demoiselles/index.html

Descubriendo el rostro desconocido de Monet

Hasta el 10 de junio

Claude Monet es uno de los artistas más conocidos y estudiados en el mundo. Sin embargo todavía existen obras desconocidas del rey del impresionismo francés. La Royal Academy of Arts de Londres muestra ahora los dibujos, caricaturas y pasteles que Monet nunca quiso sacar a la luz.

La faceta desconocida

La Royal Academy of Arts londinense presenta, hasta el 10 de junio, la faceta menos conocida del gran público del artista impresionista francés Monet: la de dibujante y pintor al pastel. Se trata, según sus organizadores, de la primera exposición que explora sus obras sobre papel, desde las caricaturas que hizo siendo aún adolescente hasta los estudios para su serie inspirada en los nenúfares que decoraban su jardín de Giverny.

Un gran dibujante

Las obras más tempranas conocidas de Claude Monet (1840-1926) son los dibujos que hizo en el puerto atlántico de Le Havre, donde su padre trabajaba aprovisionando a los barcos, así como una serie de caricaturas de actores y personajes locales. La Royal Academy presenta varias muestras de esa primera etapa, entre ellos dibujos del natural bastante convencionales, pero que documentan ya la pasión por el paisaje que iba a dominarle toda su vida.

Más tarde, estudiante ya en París, Monet haría frecuentes escapadas a la campiña o a la costa para hacer bocetos que destacan por su gran espontaneidad. Desde sus años de formación hasta su última etapa, Monet recurrió una y otra vez a los cuadernos de apuntes, que tenían para él únicamente un significado únicamente práctico y que permiten estudiar mejor su proceso creativo.

Sus obras en pastel

En la primera exposición impresionista parisina, celebrada en 1874, un crítico documentó ya la presencia, junto a los óleos de Monet, de varias obras al pastel del mismo artista. Este había utilizado ese medio en sus frecuentes visitas a la costa normanda para capturar con la máxima inmediatez posible las cambiantes condiciones atmosféricas o las formaciones rocosas de los acantilados, batidos por un mar agitado.

Curiosamente pocas de esas obras en pastel están relacionadas directamente con sus óleos sino que en muchos casos se trata de simples experimentos de composición o de luz.

La promoción del artista

La exposición destaca, por otro lado, el papel que tuvo la prensa en la promoción y fama de Monet desde que debutó en el Salón parisino de 1895 hasta su participación en las diversas exposiciones impresionistas y sus diversas exposiciones individuales. Su carrera coincidió en efecto con el nacimiento de los medios de comunicación de masas y el periodismo ilustrado.

Especialmente bella es la última sala de la exposición, dedicada a los pasteles que hizo Monet de los puentes del Támesis en tres visitas a la capital británica entre 1899 y 1901 y en los que captura con envidiable maestría los efectos de la luz tamizada por la niebla, que él confesaba preferir a la claridad mediterránea. Esta sala incluye también dos grandes óleos de la famosa serie de nenúfares, uno de ellos procedente de la fundación Beyeler, próxima a Basilea (Suiza) y el otro del MOMA neoyorquino, en los que se muestra la perfecta fusión de pintura y línea que caracteriza la última etapa del artista.
 
 
MAS INFORMACION EN http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/monet/