¿Sabías que no se pintaron paisajes hasta el siglo XVI?

El paisaje como género propio aparece en el siglo XVI cuando llega a ser el protagonista de los cuadros. Desde finales de la Edad Media los artistas habían empezado a multiplicar los elementos naturales con el fin de conferir a sus temas un escenario.

El árbol estrena el género

Pero fue un siglo más tarde cuando se encontraron elementos naturales diversificados en las pinturas, como pueden ser diferentes tipo de árboles; y una dimensión real, a escala de los personajes: en Bautismo de Cristo ( 1445 ).

Piero Della Francesca pintó por primera vez un árbol de tales dimensiones que solo aparece parcialmente en la composición.

El paisaje como protagonista

Durero fue uno de los primeros en emplear el término para designar un tipo de pintura con esa temática específica. A medida que los pintores fueron perfeccionando la técnica e introduciendo novedades, como Leonardo con su sfumatto, el paisaje fue ganando protagonismo. Con pintores como Joachim Patinar el papel se invirtió: la naturaleza es la protagonista, sea cual sea el título. El paisaje es el grandioso escenario de un narración donde los personajes, diminutos, siempre son secundarios, como en Descanso en la huida de Egipto.

Nace la naturaleza muerta

Surgió como género independiente a principios del siglo XVII, cuando el resto de géneros ya habían conseguido su autonomía.

La naturaleza muerta empezó a introducirse en la pintura religiosa, más tarde aparecieron en las pinturas mitológicas, en las de género y en los retratos.

Titulo
El grito (Skrik)

Fecha de realización
1893

Dimensiones
91 cm x 73.5 cm

Estilo
Expresionismo

Museo
Museo Nacional de Oslo

“Iba por la carretera con dos amigos, y el sol se puso. De pronto, el cielo se volvió sangre, y sentí el hálito de la tristeza… las nubes del fiordo goteaban sangre. Mis amigos siguieron su camino pero yo me quedé temblando, con una herida abierta en el pecho. Oí cómo un grito extraordinario atravesaba la naturaleza”.
Edvard Munch

Profunda y perturbadora angustia

En este cuadro de Edvard Munch, el protagonista aparece con el rostro agitado, muy parecido a una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. Recordemos que, durante su niñez, el artista perdió a su madre y a su hermana mayor (que era depresiva y alcohólica), y que Laura, su hermana menor, sufría de esquizofrenia y vivía internada en un psiquiátrico situado al lado del matadero de la ciudad de Cristianía, el Oslo actual.

Para comprender mejor la inspiración de la pintura, teniendo en cuenta el carácter melancólico y depresivo de Munch, tratemos de imaginarnos el grito de los animales combinado con los de los pacientes del asilo. El resultado es una obra extremadamente perturbadora que transmite el agitado estado de ánimo del pintor, lleno de desesperación, incertidumbres y temores.

Edvard Munch
Pintor y grabador. Nació en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863 y falleció en Ekely en enero de 1944. Su triste y angustiada vida, llena de obsesiones y frustraciones personales, ejercen una influencia decisiva en la orientación de su carrera artística. Es considerado el precursor de la tendencia expresionista en el arte moderno.

Aporte  de nuestro amigo
Pedro Rivera
Santiago de Chile

Aporte de Ignacio Trelis – España

Amigos, les remito informacion sobre una exposición magnifica

     Durero y Cranach.

Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento.

Del 9 de octubre de 2007 al 6 de enero de 2008

http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones/WebExposiciones/2007/Durero_Cranach/index.htm

Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento propone un recorrido por el arte alemán desde finales del siglo XV a mediados del siglo XVI, centrada en dos de sus más grandes artistas, Alberto Durero (1471-1528) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), y en menor medida Hans Baldung Grien (1485-1545) o Albrecht Altdorfer (c. 1480-1538), junto con otros destacados pintores que siguieron la estela de los maestros. La exposición abarca un periodo y unos artistas poco frecuentes en las exposiciones españolas.

Uno de los aciertos de la exposición, sin duda uno de sus elementos más atractivos, es ofrecer una  visión del arte de la Alemania del Renacimiento desde un punto de vista global, tanto en lo que se refiere a la diversidad de las manifestaciones artísticas, y la importancia que tenían cada una de ellas en su época, como al papel que jugó el arte en los cambios políticos y religiosos que tuvieron lugar en esa época convulsa.

Distribución por salas

La exposición está dividida en dos partes diferenciadas: una primera parte denominada Los Artistas y su mundo, ubicada en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, y una segunda parte titulada Un mundo en conflicto, en las salas de la Fundación Caja Madrid.

Los artistas y su mundo trata de mostrar las preocupaciones más personales de los artistas: cómo veían su entorno y a sí mismos, cómo concibieron su status profesional, su imagen sobre la religión, cuáles eran sus intenciones estéticas o el uso de los nuevos recursos técnicos como la imprenta.  Esta sección va narrando estas preocupaciones a través de los siguientes temas:

• Sala 1.- Orgullo y melancolía. Una imagen del artista alemán, muestra la imagen que los artistas tenían de sí mismos y cómo querían ser vistos.
• Sala 2.- Nuremberg: refleja la colaboración de Durero con orfebres y artesanos para el diseño de objetos decorativos.
• Sala 3.- Italia: “Aquí soy un señor” (expresión de Durero): hace referencia a los viajes de Durero a Italia y cómo asimila los modelos italianos y la concepción del artista.
• Sala 4.- Ciencia y pintura. Muestra el trabajo teórico de los artistas del Renacimiento, sobre todo en estudios sobre el desnudo y la anatomía humana.
• Sala 5.- Otros cánones de belleza, contrapone al modelo idealizado propuesto por Durero, los modelos más sensuales, carnales y realistas de artistas como Cranach o Grien.
• Sala 6.- Discusiones humanistas: antigüedad y naturaleza: temas recurrentes en la pintura del renacimiento alemán, así como en otras ramas del saber y la cultura de la época.
• Sala 7.- Apelles Germaniae. Algunos de los ejemplos más sobresalientes que el artista alemán nos legó de la naturaleza, a la que se acercó casi como un naturalista.
• Sala 8. ¿Un retrato germánico? Demuestra que Durero creó un patrón de retrato germánico que supera los modelos flamencos y que tuvo una amplia repercusión.

La segunda parte, Un mundo en conflicto, recoge la reacción de los artistas frente al mundo del poder político, de la religión entendida como enfrentamiento y de la guerra como medio de resolver problemas. Se estructura de la siguiente manera:

• Patio Central.: La Reforma de la imagen religiosa e Imágenes de la salvación
• Sala 2.- La Pasión de Cristo
• Sala 3.- Maximiliano I. El emperador dio gran importancia a las artes como propaganda, y encargó a los grandes artistas de la época, y especialmente a Durero, diseños para sus armaduras, carruajes y otros objetos, además de retratos.
• Sala 4.- Imágenes como palabras: cuadros y dibujos que tratan de enseñar de una forma sencilla la nueva doctrina luterana.
• Sala 5.- De la caballería a los cañones: hacia una imagen moderna de la guerra. El mundo caballeresco, los deportes de moda como la caza o los torneos, o temas de actualidad como los conflictos sociales y las guerras fueron temas favoritos de los grabadores de estampas, y reflejan una parte de la sociedad de la época.

Procedencias

Las más de 230 obras que componen la exposición proceden de muy diversas colecciones públicas y privadas. Dentro de estas cabe destacar la excepcional colaboración del Museo del Louvre, así como el generoso e inestimable préstamo procedente de la Colección del Barón Edmond de Rothschild, los más de 30 grabados de la Biblioteca Nacional, o el préstamo de Patrimonio Nacional, en especial un espectacular tapiz con el tema del Apocalipsis de Durero, de 8 x 5 metros, que raramente ha estado expuesto al público, y ocupará un lugar privilegiado en las salas de la Fundación Caja Madrid.

También cabe destacar la rica colección de Renacimiento Alemán que tiene el Museo Thyssen-Bornemisza, algunas de cuyas obras más destacadas han sido seleccionadas para formar parte de la exposición. La lista de prestadores insignes es larga. Baste como ejemplo la Albertina y El Kunsthistorisches Museum de Viena, el Landesmuseum Joanneum de Graz, el Metropolitan Museum de Nueva York, la National Gallery de Washington, el Museo del Prado, la National Gallery de Londres, el Ashmolean Museum de Oxford, el Fitzwilliam Museum de Cambridge, la Galleria degli Uffizi de Florencia, la Galleria dell’Accademia de Venecia y el Rijksmuseum de Amsterdam. Asimismo han colaborado muchos de los más prestigiosos museos alemanes como los Staatliche Museen de Berlín, la Staatliche Kunstsammlung de Dresde, el Städel Museum de Frankfurt y el Germanisches National Museum de Nuremberg, entre otros.

¿Sabías que las radiografías también sirven para detectar una falsificación?

Las radiografías ya no sólo se usan para detectar fisuras en nuestros huesos. Ahora también sirven para determinar si una10024es autentica. Y es que actualmente los métodos de detección de falsificaciones han avanzado mucho. Para descubrirlo un cuadro puede ser digitalizado en un escáner 3D de alta definición y ser sometido a radiografías, espectometría, rayos X, ultravioleta y microfluorescentes. Todo, sin necesidad de tocarlo.

¿Será falsa?

La falsificación existe desde que existe el mercado de arte. Desde mediados del siglo XVI, sobre todo en el siglo XVII, y en la medida en que se consolida el concepto de propiedad artística, y también del coleccionismo: la historia de la falsificación es tan antigua como la propia Historia del Arte. Fue en el siglo XVII cuando el pintor barroco Luca Giordano gastó una pequeña “broma” que puso de manifiesto el problema: pintó Cristo y el tullido, imitando a Durero…, y firmó como Durero. Si no hubiera introducido también su propia firma, el engaño hubiera prosperado: hubiera sido una falsificación.

La tecnología, para lo bueno y para lo malo…

Así que la falsificación puede decirse que ha existido siempre, pero las técnicas para la detección de dichas obras se han multiplicado. Se utilizan desde los llamados relojes geológicos, que permiten establecer la edad de los materiales empleados, hasta transformadores nucleares, que informan sobre su composición.

La radiografía es otro método usado recientemente para detectar una falsificación. Por ejemplo, para determinar la edad de una pintura al óleo se utilizan las características del plomo metálico, ya que la radioactividad que contiene es más alta cuanto más antigua es la pieza. La ciencia puede así calcular la antigüedad de una pintura, de la tela, de la madera o del metal, mientras que los rayos X pueden revelar lo que hay por detrás de la superficie.

La prueba del carbono 14 ( C-14 ) resulta infalible para descubrir las falsificaciones más recientes: la composición del aire cambió hasta tal punto después de la Segunda Guerra Mundial que la datación con C-14 puede determinar sin ningún género de dudas si una obra se pintó antes o después de esa guerra.

Pero la tecnología también ha ido en detrimento de la autenticidad de las obras de arte ya que hoy en día, se pueden imitar casi a la perfección técnicas, materiales y colores de distintas épocas.

Falsificadores que han pasado a la historia

El uso de la radiografía no hubiera ido mal para detectar a un famoso falsificador: Hans van Meegeren ( 1889-1947 ), magnífico pintor holandés, falsificador del también holandés Jan Veermer. También Elmyr de Hory o Tom Keating hicieron “carrera” como falsificadores, y adquirieron una aureola de heroicidad por su capacidad para engañar no solo a los millonarios pretenciosos, sino también a los expertos más reputados.

Y es que la radiografía ha llegado un poco tarde en el mundo del arte…

Paseando por el arte latinoamericano

Hasta el 9 de diciembre de 2007

Piezas arqueológicas del arte andino, pinturas religiosas, vasijas incas… y así hasta 80 obras que pueden verse en la sala de exposiciones del BBVA en Madrid, en la muestra Arte latinoamericano en la colección del BBVA. Todas, piezas procedentes del patrimonio artístico de Argentina, Colombia, Chile, México, Perú, Uruguay y Venezuela. Para que conozcas lo mejor del arte latinoamericano.

La muestra plantea un recorrido histórico a partir del cual el visitante llega a tener una idea de lo mejor de la pintura española entre el siglo XV y el XX utilizando, como hilo conductor, obras de artistas representados en la Colección BBVA con una clara proyección internacional.

El itinerario comienza con algunas tablas representativas del arte flamenco e hispano-flamenco del siglo XV y valiosos testimonios del Renacimiento. El siglo XVII es el más ampliamente representado con una pareja de bodegones de Tomás Hiepes, dos retratos de Juan Carreño de Miranda y unas escenas religiosas de Murillo. En el tránsito del s. XVIII al XIX sobresalen dos excelentes retratos de Goya y pinturas de Esteve. Ya en el siglo XIX y principios del XX destacan las marinas de Martí i Alsina y Meifren; los paisajes de Regoyos y Rusiñol, obras de Sorolla, Iturrino, Zuloaga y Arteta; y, para finalizar, una extensa y variada muestra ilustrativa del10007.

Esta exposición estuvo itinerante por seis países de América Latina en 2004 y 2005: México, Museo Nacional de San Carlos ( México D.F. ), Chile, Museo Nacional de Bellas Artes ( Santiago de Chile ), Perú, Museo Pedro de Osma ( Lima ), Colombia, Museo Nacional de Colombia ( Bogotá ), Venezuela, Museo de Bellas Artes de Caracas, y Puerto Rico, Museo de Arte de Puerto Rico ( San Juan ).
MAYOR INFORMACION:

https://www.bbva.es/TLBS/tlbs/jsp/esp/microsit/artlatin.jsp